ATALANTA E HIPÓMENES, de Guido Reni
Nos encontramos ante una obra emblemática y mitológica que exalta la pintura
barroca boloñesa y, en particular, a su artista Guido Reni (1575-1642). Dicha obra se trata de
un óleo sobre lienzo de dimensiones de 206 x 279 cm, aunque existe otra copia (posterior,
según investigaciones) de dimensiones inferiores (191 x 264 cm) recogida en el Museo
Nacional de Capodimonte, Italia.
Respecto al artista, éste fue un pintor y grabador italiano, perteneciente a la Escuela
Boloñesa, de la que extrajo una profunda lealtad al clasicismo romano-boloñés (implantado
por los Carracci) que él mismo sintetiza con pinceladas caravaggistas. Por otro lado, su estilo
se define como temático o ecléctico, utilizando en muchas ocasiones la mitología como fuente
de inspiración, tal y como se observa en este caso. Su gran interés por generar vínculos
empáticos entre observador y obra le obligó a llevar una vida entera consagrada al arte,
destacando esta obra en su período maduro. Así, muchos profesionales la han fechado entre
1618-1619, como parte de la colección destinada a un marqués (Giovan Francesco Serra),
que posteriormente el III conde de Peñaranda adquiriría para nuestro monarca Felipe IV en
1664 (tras él, Carlos III casi la condenaría a la hoguera por “indecencia”, quedando sumergida
en el olvido hasta el s. XX, cuando retorna al Prado).
En la escena se nos presenta una recreación del mito clásico de Hipómenes y
Atalanta (narrado por Ovidio en el libro X de la Metamorfósis), donde se representa a ambos
en medio de la mortal carrera. Remi logra una composición que sitúa a ambas figuras en un
primer plano, creando una estructura diagonal con un equilibrio simétrico, donde las líneas
de tensión y la oposición de los protagonistas logran una composición abierta. Por otro lado,
estos destacan en su luminosidad frente al oscuro y difuso horizonte (adquiriendo un color
pardo, rojizo y gris, donde se superponen las nubes gracias a “veladuras”), generado de
manera intencional para ordenar el drama representado. Por último, cabe resaltar las
actitudes contenidas y los movimientos elegantes y bellos de cuerpos, que más que
enfrentarse a una carrera casi parecen parte de una coreografía musical.
En cuanto a la simbología y su significado, esta es la historia de la ninfa y princesa
Atalanta que, por amor a Diana, se niega a contraer matrimonio proponiendo por ello un juego
mortal; aquel que consiga ganarla en una carrera la podrá desposar, sino perderá su vida.
Así, el jóven Hipómenes, socorrido por Venus, logra una inventiva al tirarla manzanas
pesadas que ella, en su arrogancia, recoge pensando que aún puede ganar. Esta escena en
concreto supone la segunda de las tres manzanas arrojadas (la tercera la oculta con su brazo
el jóven), situándonos “in media res” del mito, e innovando al representar una escena que
solo se habían atrevido a pintar a partir de la Edad Media. Las connotaciones de una mujer
fuerte y decidida y el hecho de tratarse de un mito (tan propio de su interés), nos muestran
un autor distinto, que enfoca su talento creativo para destacar la teatralidad y el dominio de
la razón sobre el sentimiento (valiéndose de este cuadro y época para ello).
En cuanto a mi impresión personal, me quedaría corta describiendo la belleza expresa
de la obra en tanto a pintura, además de la metafórica en cuanto a símbolo. Representa,
además, uno de los mitos que más me gustan de la cultura grecorromana logrando preservar
esa tensión y narrativa asombrosa propia de un maestro como Ovidio. Por otro lado, me
pareció muy apropiada su elección debido a la famosa Fuente de Cibeles de Madrid que
relata su final, es decir, el desagradecimiento como la fuente de las desgracias más profundas
humanas, ante el cual quedamos encadenados.
Nos encontramos ante una obra emblemática y mitológica que exalta la pintura
barroca boloñesa y, en particular, a su artista Guido Reni (1575-1642). Dicha obra se trata de
un óleo sobre lienzo de dimensiones de 206 x 279 cm, aunque existe otra copia (posterior,
según investigaciones) de dimensiones inferiores (191 x 264 cm) recogida en el Museo
Nacional de Capodimonte, Italia.
Respecto al artista, éste fue un pintor y grabador italiano, perteneciente a la Escuela
Boloñesa, de la que extrajo una profunda lealtad al clasicismo romano-boloñés (implantado
por los Carracci) que él mismo sintetiza con pinceladas caravaggistas. Por otro lado, su estilo
se define como temático o ecléctico, utilizando en muchas ocasiones la mitología como fuente
de inspiración, tal y como se observa en este caso. Su gran interés por generar vínculos
empáticos entre observador y obra le obligó a llevar una vida entera consagrada al arte,
destacando esta obra en su período maduro. Así, muchos profesionales la han fechado entre
1618-1619, como parte de la colección destinada a un marqués (Giovan Francesco Serra),
que posteriormente el III conde de Peñaranda adquiriría para nuestro monarca Felipe IV en
1664 (tras él, Carlos III casi la condenaría a la hoguera por “indecencia”, quedando sumergida
en el olvido hasta el s. XX, cuando retorna al Prado).
En la escena se nos presenta una recreación del mito clásico de Hipómenes y
Atalanta (narrado por Ovidio en el libro X de la Metamorfósis), donde se representa a ambos
en medio de la mortal carrera. Remi logra una composición que sitúa a ambas figuras en un
primer plano, creando una estructura diagonal con un equilibrio simétrico, donde las líneas
de tensión y la oposición de los protagonistas logran una composición abierta. Por otro lado,
estos destacan en su luminosidad frente al oscuro y difuso horizonte (adquiriendo un color
pardo, rojizo y gris, donde se superponen las nubes gracias a “veladuras”), generado de
manera intencional para ordenar el drama representado. Por último, cabe resaltar las
actitudes contenidas y los movimientos elegantes y bellos de cuerpos, que más que
enfrentarse a una carrera casi parecen parte de una coreografía musical.
En cuanto a la simbología y su significado, esta es la historia de la ninfa y princesa
Atalanta que, por amor a Diana, se niega a contraer matrimonio proponiendo por ello un juego
mortal; aquel que consiga ganarla en una carrera la podrá desposar, sino perderá su vida.
Así, el jóven Hipómenes, socorrido por Venus, logra una inventiva al tirarla manzanas
pesadas que ella, en su arrogancia, recoge pensando que aún puede ganar. Esta escena en
concreto supone la segunda de las tres manzanas arrojadas (la tercera la oculta con su brazo
el jóven), situándonos “in media res” del mito, e innovando al representar una escena que
solo se habían atrevido a pintar a partir de la Edad Media. Las connotaciones de una mujer
fuerte y decidida y el hecho de tratarse de un mito (tan propio de su interés), nos muestran
un autor distinto, que enfoca su talento creativo para destacar la teatralidad y el dominio de
la razón sobre el sentimiento (valiéndose de este cuadro y época para ello).
En cuanto a mi impresión personal, me quedaría corta describiendo la belleza expresa
de la obra en tanto a pintura, además de la metafórica en cuanto a símbolo. Representa,
además, uno de los mitos que más me gustan de la cultura grecorromana logrando preservar
esa tensión y narrativa asombrosa propia de un maestro como Ovidio. Por otro lado, me
pareció muy apropiada su elección debido a la famosa Fuente de Cibeles de Madrid que
relata su final, es decir, el desagradecimiento como la fuente de las desgracias más profundas
humanas, ante el cual quedamos encadenados.
